Quando o futebol se cruza com a filosofia... à séria * When football meets philosophy... for real

Com um line-up destes, os filósofos do futebol que povoam o espaço televisivo nestes dias de Mundial que se cuidem...

With such a line-up, the philosophers of soccer that pack the TV screen in these days of World Cup would better watch out...

Um cordeiro com pele de lobo * A lamb in wolf's clothing

O VW Karmann-Ghia não é um automóvel desportivo. As linhas fluidas e o design aerodinâmico, juntamente com o facto de se tratar de um coupé 2+2, escondem a mecânica simples dos motores refrigrerados a ar do... carocha! Este modelo da VW nasceu a partir de um concept car desenhado em 1952 pelo americano Virgil Exner e construído pela Carozzeria Ghia para a Chrysler, que viria a ser adaptado pela Karmann para a VW.

O Karmann-Ghia coupé (conhecido como Type 14) foi produzido sem grandes alterações estéticas entre 1955 e 1974 (340 000 unidades montadas na Alemanha), e em 1957 iniciou-se a comercialização do Type 14 cabrio (81 000 unidades alemãs). Entre 1961 e 1969 a VW tentou "modernizar" o conceito do Karmann-Ghia, lançando - em paralelo com o Type 14 - o Type 34, um modelo com linhas mais quadradas e angulosas, que não teve grande sucesso de vendas (foram produzidos menos de 43 000). No Brasil, para além de uma produção considerável de coupés e cabrios Type 14, surgiu também em 1970 (e até 1975) a versão "fastback" Type TC (touring coupé), com linhas baseadas no design do Porsche 911. Deste modelo foram produzidas pouco mais de 18 000 unidades.

Os dois principais atractivos que fazem deste clássico um modelo tremendamente popular são precisamente a conjugação de um design único que não deixa ninguém indiferente com uma mecânica de fácil - e barata - manutenção, graças às semelhanças com o primo utilitário VW carocha. Se por um lado, não é muito fácil encontrar no mercado português algumas peças exclusivas do Karmann-Ghia (apesar de existirem bastantes clubes e dealers especializados, quer online, quer em muitos países europeus), por outro, todos os componentes mecânicos comuns com o carocha estão ao alcance de um qualquer sucateiro.

É apenas de lamentar o facto de o Karmann-Ghia ser um alvo muito apetecível dos fãs do tuning, que impiedosamente desvirtuam as qualidades estéticas deste modelo que, dada a progressiva escassez de exemplares intactos, aumenta a sua cotação no mercado de clássicos a um ritmo galopante.

The VW Karmann-Ghia is not a sports car. The fluid lines and aerodynamic design, together with the fact that it is a 2+2 coupe, hide the plain mechanics of the air-cooled engines of the... beetle! This VW model was born from a concept car designed in 1952 by the American Virgil Exner and built by Carrozzeria Ghia for Chrysler, which would be adapted by Karmann for VW.

The Karmann-Ghia coupe (known as Type 14) was produced without major aesthetic changes from 1955 to 1974 (340 000 units assembled in Germany), and in 1957 the selling of the Type 14 convertible kicked off (81 000 German units). From 1961 to 1969 VW tried to "modernise" the Karmann-Ghia concept, introducing – in parallel with the Type 14 – the Type 34, a model with more squared and angled lines which wasn’t very successful (less than 43 000 units were produced). In Brazil, besides a significant production of Type 14 coupes and convertibles, the fastback version Type TC (touring coupe) also came out in 1970 (and until 1975), with lines based in the design of the Porsche 911. A little more than 18 000 unit of this model were produced.

The two main appeals that make this classic an immensely popular model are precisely the meeting of a unique head-turning design with an easy – and affordable - mechanical maintenance, thanks to the similarities to the utilitarian cousin VW beetle. If, on the one hand, it isn’t very easy to find in the Portuguese market some Karmann-Ghia exclusive parts (although there are many clubs and specialized dealers, both online and in several European countries), on the other hand, all the mechanical components shared with the beetle are at the reach of any junkyard.

The only regret is the fact that the Karmann-Ghia is a very desirable target for tuning fans that mercilessly blemish the visual qualities of this model which, due to the growing shortage of intact specimens, is increasing its value in the classics market at a hasty rate.

photo credits: http://www.karmann-ghia.org/, http://www2.lut.fi/~hosia/ghia.html and http://www.vw-karmann-ghia.de/badura/

O Sr. Ericsson ligou e deixou recado * Mr. Ericsson has called and left a message

photo credits: http://www.ericofon.com

Quando Lars Magnus Ericsson (1846-1926) fundou em 1876 a sua oficina de reparações de telégrafo estava, sem o saber, a criar as fundações de um império de telecomunicações (que há pouco tempo, aliás, se associou a um gigante devorador japonês chamado Sony), hoje materializado nesse pequeno e inseparável gadget chamado telemóvel. O que pouca gente se lembra, ou mesmo não sabe, é que a L. M. Ericsson atingiu o seu expoente máximo com o aparelho desenvolvido por Gösta Thames, Hugo Blomberg e Ralph Lysell entre 1940 e 1954 designado Ericofon. Tratava-se de um telefone que se pretendia leve, pequeno e simples de usar, que integrava o microfone, o auscultador e o disco (as teclas viriam mais tarde) numa só peça com um design tão futurista que não era raro vê-lo figurar como adereço de séries de televisão e filmes, sempre em ambientes sofisticados ou até de ficção científica.

O Ericofon sofreu algumas pequenas alterações ao longo dos mais de 30 anos em que se manteve no mercado: a primeira série (hoje designada por old case) começou a ser produzida em 1954. Por volta de 1960 foi introduzida uma 2ª série (new case) com os telefones um pouco mais curtos e com um ângulo mais fechado. Estes telefones acabaram por sofrer uma ligeira alteração na frente do auscultador, corrigindo o ângulo do aparelho em relação ao ouvido para um ângulo semelhante aos da 1ª série. Apesar destas alterações, a forma original e o conceito subjacente ao design mantiveram-se, e em 1976, para comemorar o centenário da empresa, foi lançado o Ericofon 700. Este modelo, com um design mais rectilíneo, acabou por se revelar um fracasso de vendas, tendo hoje interesse apenas para coleccionadores.

Não é muito difícil nem excessivamente caro adquirir um Ericofon, seja em antiquários (os mais vocacionados para objectos dos anos 50/60), seja em lojas online. Acima de tudo, se - tal como eu - não se sente como peixe na água a restaurar e/ou reparar aparelhos telefónicos, é importante ter a certeza que se encontra em bom estado exterior e a funcionar. Vale a pena, penso eu, tê-lo não só como objecto decorativo, mas prescindir de vez em quando da "liberdade" dos sem-fios e dar-lhe um uso normal em casa, como complemento dos aparelhos com funcionalodades mais modernas, pois o Ericofon, ontem como hoje revela-se nas suas mais de 20 cores (do verde-água "Crystal Mint" para os mais arrojados ao bege "Sahara" para os mais discretos) como um telefone divertido para exibir mas também para usar. Eu escolhi o "Mandarin Red" e comprei-o aqui.

When Lars Magnus Ericsson (1846-1926) founded his telegraph repair workshop in 1876, he was, without realising it, creating the ground for a telecommunications empire (which actually merged with a Japanese devouring giant called Sony, a little time ago), today materialised in that small inseparable gadget named mobile phone. The thing is, few people remember, or maybe don’t know, that L. M. Ericsson reached its peak with the device developed by Gösta Thames, Hugo Blomberg and Ralph Lysell between 1940 and 1954 called Ericofon. It was a telephone intended to be light, small and easy to use, which integrated the microphone, the earpiece and the dial (push-buttons would arrive later) in a single piece with a design so futuristic that it could often be seen as a prop in TV series and films, always in sophisticated environments, or even science-fiction.

The Ericofon suffered some minor changes throughout the more than 30 years that it remained in the market: the first series (today designated as old case) started its production in 1954. Around 1960, a second series (new case) was introduced with phones slightly shorter and with a more closed angle. The latter ended up suffering a slight change in the front of the earpiece, which corrected the angle of the device, in relation to the ear, to an angle similar to the old-case models’. Despite these changes, the original shape and the concept underlying the design were kept, and in 1976, to celebrate the company’s centennial, the Ericofon 700 was released. This model, with its more squared shape, ended up as a sales failure, and today is only valuable for collectors.

It isn’t very hard or excessively expensive to purchase an Ericofon, whether it be in antique/vintage shops (those more directed to objects from the 1950s-60s), or in online stores. Above all, if - just like me – you don’t feel very comfortable restoring and/or repairing telephone devices, it is important to make sure that it is in external good condition and working. It is worth, I think, to have it not only as a decorative object, but to renounce, once in a while, the “freedom” of the cordless phones and use it at home, to complement the devices with more modern functions, since the Ericofon, today like yesterday, reveals itself in its more than 20 colours (from the "Crystal Mint" green for the boldest, to the "Sahara" beige for the more discreet) as a telephone that is great fun both to exhibit and to use. I’ve chosen the "Mandarin Red" and bought it here.

Romance em vinil de 12 polegadas * A 12-inch vinyl novel

Qualquer melómano que tenha passado por Londres há alguns anos - décadas (!) - atrás, quando o vinil e a fita magnética ainda reinavam como suportes musicais, não pode ter passado ao lado das famosas lojas de music exchange, onde se podia comprar, vender e trocar discos a preços que permitiam pequenas extravagâncias ou encontrar aquela edição de colecção que perseguíamos há anos. Praticamente todas elas tinham um ambiente sombrio, desarrumado e sujo, e eram geralmente iluminadas por lâmpadas fluorescentes que ajudavam ainda mais a criar uma atmosfera que faria o consumidor da high street que lá entrasse por engano sair logo a correr julgando ter encontrado uma entrada para um submundo de criaturas subterrâneas. Pelo contrário, o cliente habitual sentia-se lá confortável era capaz de ficar horas a vasculhar todas as filas e caixas empoeiradas de álbuns à espera de encontrar aquela raridade que faria valer o tempo perdido e as doenças respiratórias provocadas pelos exércitos de ácaros inalados em cada fôlego - nada disso importava nesta procura do santo graal de 12 polegadas. Este é precisamente o cenário de High Fidelity, o best-seller de Nick Hornby.

High Fidelity - Alta Fidelidade na tradução portuguesa - acompanha as desventuras emocionais do obsessivo Rob Fleming, proprietário de uma loja de discos independente e marginal, em tudo semelhante às que descrevi atrás, que questiona as suas relações passadas para tentar compreender o que correu mal. Rob organiza compulsivamente tudo à sua volta em tops de 5 favoritos. É esta a estrutura em redor da qual se desenvolve a narrativa, em particular no que diz respeito ao "top 5" das separações de namoradas.

O romance de Hornby é, em simultâneo, extremamente hilariante e assustadoramente realista nas descrições das frustrações e traumas que perseguem Rob desde a sua infância. Qualquer homem é capaz de se rever na infância e adolescência do protagonista, o que cria imediatamente - pelo menos nos leitores masculinos - uma ligação com a personagem que faz desculpar-lhe o egoismo, as traições e as idiotices que vai perpetrando ao longo da história. Rob é o idiota que sabe que o é, admite-o e tortura-se com isso à medida que se apercebe que não há redenção.

Tal como praticamente toda a narrativa de Hornby, este romance está eficazmente construído para provocar o riso (atenção se lerem em locais públicos) e por isso, se não valer para mais nada (não é o meu caso), High Fidelity vale para os Robs deste mundo descobrirem que não faz mal rirem-se de si próprios, pois essa extensão é um efeito secundário muito provável.

Any music lover who has been to London some years – decades (!) – ago, back when vinyl and magnetic tape still ruled as musical media, can’t have missed the famous music exchange stores, where you could buy, sell and exchange records at prices that allowed you little extravagances or to find that same collector’s edition you’d been chasing for years. They usually exhibited a murky, dismal, untidy quality, and were generally lit by fluorescent tubes which helped even further create an environment that would make the occasional distracted high street shopper run away from it, suspecting they’d found an entrance to an underworld where subterranean creatures lurked. On the contrary, the usual customer would feel very comfortable there, and would be capable of spending hours exploring through all the album rows and dusty boxes hoping to find the rarity that would make up for the wasted time and the respiratory diseases caused by the armies of dust mites inhaled with every breath – none of that mattered in this search for the 12-inch holy grail. This is precisely the setting of High Fidelity, Nick Hornby’s bestseller.

In High Fidelity we move along the emotional distresses of obsessive Rob Fleming, the owner of an independent record store similar to those described above, who questions his past relationships trying to understand what went wrong. Rob compulsively organises everything around him in top 5 favourites, and this is the structure around which the narrative revolves, particularly concerning the top 5 break-ups.

Hornby’s novel is, at the same time, extremely hilarious and frighteningly realistic in the descriptions of the frustrations and traumas that haunt Rob since his childhood. Any man can see himself reflected in the childhood and adolescence of this persona, which establishes right away – at least for male readers – a bond with the character that makes us forgive him the selfishness, betrayals and foolishness he perpetuates throughout the story. Rob is a fool and he knows it, acknowledges it and tortures himself with it, as he realises there is no redemption.

Just like in most of Hornby’s narrative, this novel is effectively shaped to trigger laughter (mind if you read in public places) and therefore, if it’s not worth for more (not my opinion), High Fidelity is worth for the Robs in this world to find out that it’s OK to laugh at themselves, for that extension is a very likely side effect.

Quem é que disse "Beam me up, Scotty"? * Who said "Beam me up, Scotty"?

"Beam me up, Scotty" é a frase da série televisiva Star Trek que William Shatner, o Capitão James T. Kirk da nave Enterprise, nunca disse a Montgomery Scott, o tenente-coronel com sotaque escocês. Aliás, Scotty nunca irá ouvi-la, pois o actor James Doohan que durante anos encarnou a personagem (e continuará a fazê-lo, como previu o seu dentista: Jimmy, you're going to be Scotty long after you're dead. If I were you, I'd go with the flow.) morreu o ano passado de pneumonia e Alzheimer.

Isso não quer dizer que William Shatner esgote aqui o seu talento para pronunciar frases marcantes com uma compostura que não trai a sua insegurança artística, insegurança essa tantas vezes criticada a par com a sua arrogância e egocentrismo. Como afirmou o falecido Doohan, I like Captain Kirk, but I sure don't like Bill. He's so insecure that all he can think about is himself. E, de facto, se passarmos os olhos por algumas das sentenças que Shatner foi proferindo em diversas entrevistas, talkshows e afins, sentimo-nos traídos ao descobrir que o imortal Capitão que idolatrámos em tempos se tornou vulnerável à chacota e ao ridículo. Vejamos algumas destas pérolas:

For commercial reasons, we stayed away from advancing the theory of God.

I enjoyed reading all the classic authors like Isaac Asimov and Bradbury.

I think of doing a series as very hard work. But then I've talked to coal miners, and that's really hard work.

Há, no entanto, alguma dignidade no ridículo, e a noção de que quem é palhaço o é por opção. É o próprio Shatner que o diz:

If you make a fool of yourself, you can do it with dignity, without taking your pants down. And if you do take your pants down, you can still do it with dignity.

O tipo de comentários que hoje ouço sobre Shatner é sempre em tom paternalista e de piedade com uma pancadinha amiga nas costas, do tipo pois é, já teve o seu tempo e admiro-o por isso, mas agora o melhor é fechar a boca. Pois bem, Shatner não fechou a boca (e a meu ver, fez muito bem) e em Outubro de 2004 lançou o CD Has Been. Em 1968, Shatner tivera já uma primeira experiência para demonstrar o talento vocal, intitulada The Transformed Man, em que os críticos ficaram sem saber se Shatner estaria descontraidamente a divertir-se (será isto o tal baixar as calças com dignidade?) ou se estaria a cair na situação embaraçosa de ostentar uma pose intelectualmente séria (até Hamlet faz uma aparição no álbum) num contexto que é afinal cómico. Shatner justifica o facto de o disco não atingir um estatuto mais mainstream na época explicando: The Transformed Man - good, bad or indifferent - didn't work because the cuts were too long. Apesar de tudo isso - ou talvez por causa disso - tornou-se num álbum de culto para a legião de fãs.

36 anos depois, Has Been não confirma nem desmente o muito que já se falou sobre o talento vocal ou a excelência artística de Shatner. Não há dúvida que deixa no fim o mesmo sentimento de estranheza que o seu antecessor The Transformed Man, mas o facto é que o resultado final, ao contrário deste, é sólido e coeso. Claro que não é alheio a isto o facto de Shatner se ter rodeado de talentos realmente comprovados. Ben Folds, Brad Paisley, Aimee Mann, Joe Jackson, Henry Rollins (!), entre outros, compõem uma ficha técnica de antologia. O álbum abre com a cover de Common People, dos Pulp (o único tema do álbum que assume abertamente uma raíz mais pop) e Shatner, com o apoio vocal de Joe Jackson oferece-nos uma leitura vigorosa do tema que não deve ter desagradado a Jarvis Cocker, apesar do coro infantil. O registo vocal - neste e nos outros temas - é sempre mais spoken word que composição melódica, e quem já ouviu Shatner cantar sabe que essa é a opção mais sábia. A nível musical, não há qualquer pretensão ou aspiração a um estatuto mais enigmático ou bizarro (como acontecia com The Transformed Man, mas não podemos esquecer que em 1968 o psicadelismo estava em plena força) e as abordagens são claramente influenciadas pela música tradicional americana, blues, jazz e rock.

Quer queiramos, quer não, William Shatner conquistou à sua maneira um lugar na cultura popular da segunda metade do século XX, e já no século XXI mostra-nos, com a ironia patente no título do CD, que ainda mexe e que não assume o estatuto de ultrapassado e decadente. Não seria possível baixar as calças com mais dignidade.

"Beam me up, Scotty" is the line from the TV series Star Trek that William Shatner, Captain James T. Kirk of Starship Enterprise, has never said to Montgomery Scott, the lieutenant commander with Scottish accent. Actually, Scotty will never hear that, since the actor James Doohan, who incarnated the character for years (and will keep doing it, as his dentist had predicted: Jimmy, you're going to be Scotty long after you're dead. If I were you, I'd go with the flow.) died last year of pneumonia and Alzheimer.

That doesn’t mean that William Shatner has run out of talent to pronounce striking remarks with a composure that never betrays his artistic insecurity, which has been so many times criticised along with his arrogance and selfishness. As the late Doohan said, I like Captain Kirk, but I sure don't like Bill. He's so insecure that all he can think about is himself. In fact, if we browse through some of the sentences that Shatner has said in several interviews, talk shows and the like, we feel betrayed by discovering that the immortal Captain whom we once idolised has become vulnerable to laughing stock and ridicule. Let’s see some of these treasures:

For commercial reasons, we stayed away from advancing the theory of God.

I enjoyed reading all the classic authors like Isaac Asimov and Bradbury.

I think of doing a series as very hard work. But then I've talked to coal miners, and that's really hard work.

There is, nevertheless, some dignity in ridicule, and the notion that he who’s a clown, chooses to be one. It’s Shatner himself who says so:

If you make a fool of yourself, you can do it with dignity, without taking your pants down. And if you do take your pants down, you can still do it with dignity.

The kind of remarks I hear today about Shatner are always patronising and pitiful, the kind of pat in the back, like, yeah, he’s over the hill now and I admire him for what he did once, but now he’d better shut his mouth. Well, Shatner hasn’t shut his mouth (fortunately, from my point of view) and in October 2004 released the Has Been CD. In 1968, Shatner had already had a first experience to show his vocal talent, entitled The Transformed Man, on which the critics couldn’t decide whether Shatner was just relaxing and enjoying himself (could this be the so-called taking down the pants with dignity?) or falling into the embarrassing situation of grasping an intellectually serious posture (even Hamlet makes an appearance in the album) in a context that was, after all, tongue-in-cheek. Shatner justifies the fact that the record didn’t reach a mainstream status at the time explaining: The Transformed Man - good, bad or indifferent - didn't work because the cuts were too long. In spite of all that – or maybe because of that – it has become a cult album for the legion of fans.

36 years later, Has Been neither confirms nor denies all that has been talked about Shatner’s vocal talent or artistic excellence. It undoubtedly leaves in the end the same feeling of strangeness as its predecessor The Transformed Man, but the fact is that, unlike that one, the final result is solid and coherent. Of course, the fact that Shatner surrounded himself with truly proven talents helps significantly. Ben Folds, Brad Paisley, Aimee Mann, Joe Jackson, Henry Rollins (!), among others, make up an anthological credit list. The album opens with the cover of Pulp’s Common People, (the only song that assumes more openly a pop foundation) and Shatner, with the vocal support of Joe Jackson, offers a vigorous reading of the song that might have gratified Jarvis Cocker, in spite of the children’s chorus. The vocal range – in this song and in all the others – is always more spoken word than melodic composition, and if you’ve heard Shatner sing you know that’s the wisest option. Musically speaking, there is no pretence or aspiration to a more unfathomable or bizarre status (as it happened with The Transformed Man, but we mustn’t forget that in 1968 psychedelia was at its peak) and the approaches are clearly influenced by American traditional music, blues, jazz and rock.

Whether we want it or not, William Shatner has conquered his own way a place in popular culture in the second half of the 20th century, and in the 21st century he shows us, with the irony offered by the CD title, that he’s still shaking and doesn’t assume the status of a decadent has been. It wouldn’t be possible to take down the pants with more dignity.

O homem que se chamava pistola * The man with a gun on his name

Peter Gunn revelou-se, logo desde o início da sua transmissão, em 1958, uma série televisiva notável, devido a um vasto conjunto de factores que a destacaram da mediania de outros produtos televisivos congéneres. Refiro-me à produção de Blake Edwards, à participação de Robert Altman como realizador de vários episódios, ao desempenho sempre cool de Craig Stevens e, claro está, ao inesquecível Peter Gunn Theme de Henry Mancini que inebriou várias gerações e deu origem à colaboração do lendário guitarrista Duane Eddy com os Art of Noise na cover que se tornou um hit do álbum de 1986 In Visible Silence. Para (re)ver e ouvir calmamente, graças à edição da série completa em DVD.

Peter Gunn turned out to be, right from the beginning of its broadcast in 1958, a remarkable TV series, due to a great number of factors that made it stand out from the ordinariness of other similar TV products. Of course I mean Blake Edwards’ production, Robert Altman’s contribution as director of several episodes, the ever-cool Craig Stevens’ performance and, of course, Henry Mancini’s unforgettable Peter Gunn Theme which has inebriated several generations and brought about the collaboration of the legendary guitarist Duane Eddy with the Art of Noise in the cover that became the 1986 hit from album In Visible Silence. Now you can placidly enjoy watching (again) and listening to it, thanks to the edition of the complete series on DVD.